Att fotografera konstverk kan tyckas vara en enkel uppgift, men det är ofta svårt att göra det bra. Det finns tekniska hinder att övervinna, som att uppnå en jämn exponering, undvika reflektioner, fokusera exakt, välja rätt bländare och så vidare. I den här artikeln ger jag dig några tips om att fotografera konstverk som gör processen mycket enklare!
Detalj från 'The Ninth Wave' (1850) av Ivan Aivazovsky. Ryska museet, St Petersburg.
Tips om fotografering av konstverk
De tips som jag ska ge är främst relaterade till 2D-konst, dvs. målningar, teckningar eller tryck i vilken form de än kommer. Jag har fotograferat de flesta av dem, allt från stora oljemålningar på nationella museer till antika tidningsillustrationer hemma.
Jag kommer också att ge några tips om att fotografera skulptur. Att skapa framgångsrika bilder av 3D-konst är inte alltid enkelt.
vitbalans
När du fotograferar konstverk är vitbalansen inte objektiv - det finns ett kreativt beslut att fatta. Vill du bevara konstens färg som du ser den eller ska du neutralisera den och göra de vita vita? Kommer du att vara historiker eller restauratör?
Jag kunde återställa vithet och originalfärg i denna viktorianska tidning med ett enda klick, men med ett grått kort har jag återskapat dess 125 år gamla tillstånd. Belysning är overhead dagsljus.
Papper och färg missfärgas med åldern, vanligtvis med gulning. Så du måste bestämma om du vill kopiera det du ser eller stänga av klockan. Det förutsätter att du har rätt i dina antaganden om originalfärgen.
För att "korrigera" vitbalansen finns det två huvudmetoder:
- För att få vita att se ut som vita: välj ett område i teckningen som ska vara neutralt i tonen - helst ett mellangrått om det finns. Genom att klicka på det här området med ett vitbalansverktyg kommer du att utjämna RGB-värdena och med lycka till rätt färg i resten av bilden. Problem uppstår när konstverket har åldrats mer på vissa ställen än andra, vilket tenderar att skapa fula gula fläckar när du utför en WB-justering.
- För att bevara tecken på åldrande: använd ett grått kort för att korrigera för ljuset som belyser konsten, vilket håller den befintliga färgen på konstverket inklusive tecken på åldrande. Det kommer fortfarande att ske en viss färgförskjutning eftersom utseendet på alla föremål påverkas av ljuset de faller under. Men du behåller åldersövergripande utseende. Du kan alltid värma upp bilden lite om du vill betona det antika utseendet.
Ett tredje alternativ, om du inte har några neutrala toner i bilden eller något grått kort, är att lura med färgtemp och nyanser tills du tror att vitbalansen är korrekt. Korrigering av färg efter syn är dock misslyckad och aldrig lika korrekt som att använda siffror.
En sak vi vet om snö är att den ser bättre vit ut. Konstgjord belysning och / eller åldrande gör att denna målning blir gul på ett foto. Ett vitbalansverktyg återställer det snabbt, men det är svårt att alltid veta hur en målning såg ut när den var ny. Konstnär: Ferdinand Schmidt (c1900), La Piscine Museum, Roubaix.
Ljuskällan gör stor skillnad för vitbalansen. Undvik blandad belysning om du kan. På museer hittar du inte ofta målningar under blandade ljuskällor, men detsamma gäller inte skulptur. En blandning av varmt artificiellt ljus och fönsterljus orsakar starka orange eller blå färger i lokala områden av bilden. Detta kan vara svårt att hantera vid efterbehandling.
Konstmuseer brukar inte visa målningar under blandad belysning, men du kan hitta skulpturer nära ett fönster. Det resulterar ofta i blå höjdpunkter och orange skuggor. Skulptur: Epicurus och Metrodorus, Louvren.
Färgkorrigering, DNG-profiler, ljuskällor
Vi har pratat om att korrigera vitbalansen när du fotograferar konstverk, men du kan ta färgkorrigering längre än så. Du kan också korrigera för ljuskällans egenskaper.
Lysrör och LED-ljuskällor är mer energieffektiva än gamla glödlampor och överför inte värme utåt. LED-belysning är nu mycket vanligt på konstmuseer. Och ändå är dess ljus ur en fotografisk synpunkt lägre kvalitet än halogenens.
Moderna ljuskällor avger antingen ett diskontinuerligt eller smalt bandspektrum, vilket innebär att de återger färger inkonsekvent och ibland inte alls över det synliga spektrumet.
Konstmuseer och gallerier använder en ljuskälla för att belysa målningar. Det kan vara diffuserat ljus eller spotlights på ett spårbelysningssystem. Foto av Riccardo Bresciani från Pexels
Till viss del kan du bedöma kvaliteten på LED / lysrör genom deras CRI-betyg. Du behöver 90+ om du handlar efter dem, men ett högt betyg gör dem inte lika med traditionella ljuskällor. CRI-testet är ett smidigt, icke-standardiserat test med några färgplåster, så skillnaden mellan 95% och 100% är större än siffrorna antyder. Glödlampor och halogenlampor får 100% som standard.
Ett sätt att förbättra dina foton när du fotograferar konst under moderna ljuskällor är att skapa en DNG-profil. För detta använder du en produkt som X-Rite Color Checker och antingen X-Rite eller Adobe-programvaran. Du använder sedan den här profilen i råkonverteringsfasen om programvaran stöder den.
Den här sidan från en antik historia från WW1 tänds tydligt från höger. Observera att X-Rite Color Checker innehåller neutrala fläckar för korrigering av vitbalans samt färgfläckar för DNG-profiler.
Om du försöker korrigera för LED eller lysrörsbelysning i ögat, kommer du troligtvis att behöva skjutreglaget "ton" i rå omvandlare. Dessa ljuskällor varierar kraftigt i sin produktion längs en grön till magenta axel. Gamla glödlampor beter sig inte på samma sätt - deras produktion sitter alltid längs den orangeblå Kelvin-skalan.
Fönsterbelysning - För- och nackdelar
Den här gamla annonsen ställdes ut utanför. Även om dagsljusets färgtemperatur varierar, visar ingen annan ljuskälla färg så fullständigt över det synliga spektrumet. KattenKabinet Museum, Amsterdam.
Du kommer aldrig att slå dagsljus på grund av dess förmåga att visa alla färger i det synliga spektrumet med liten förspänning. Det är en idealisk ljuskälla för konst. Det enda problemet är att du inte kan kontrollera det särskilt bra. Om du använder fönsterljus för att fotografera ett konstverk kommer exponeringen sannolikt att vara ojämn från sida till sida. Det kan finnas ett stopp eller mer skillnad. Du kan få ner detta till ungefär ett halvt stopp eller mindre om du använder en reflektor.
Naturligtvis kan du till och med öka exponeringen vid efterbehandling. En sak du kan göra är att fotografera ett tomt kort eller ett vitt papper under samma ljus, vilket gör ojämn exponering uppenbar när du ser det på datorn. Använd det du ser där för att korrigera andra foton i fotograferingen.
Om du fotograferar ett vykort med fönsterbelysning blir det ojämn exponering mer uppenbart om du vänder på det. Höger om detta foto är 25% ljusare än det vänstra.
Använd justeringsborstar, lager och lagermasker eller ett graderat filter med neutral densitet för att korrigera ojämn exponering över en bild. Lokala justeringar på bilden som de som finns i DxO PhotoLab är bra. Ett graderat filter är ett smidigt sätt att hantera det, men du kan lika gärna använda borstar med mycket fjädring.
Perspektiv: positioneringskonst för ett foto
När du fotograferar en 2D-konst, placera den platt mot en vägg eller ett bord och försök att få kamerasensorn perfekt anpassad till den. Annars ser du samma "keystoning" -effekt som du får med arkitektur, där vertikala linjer skiljer sig åt. Ämnet för konsten kommer att förvrängas något om du tar det i en vinkel, men inte alltid i någon mån någon kommer att märka det.
Ett sätt att anpassa en kamera till konst är att använda en vattenpass på båda. Testa ytan som konsten ligger mot för att se om den är jämn, gör justeringar med rekvisita om det behövs (ungefär som med ett bordsben på ett ojämnt golv). Gör samma sak med kameran genom att använda en vattenpass på hetskon eller vila på en platt del av kameran i ett stativ. Det behöver inte se professionellt ut om det gör jobbet.
Helst vill du att kameran ska vara i nivå med mitten av bilden när du fotograferar konst. Jag har inte gjort det dåligt med det här handhållna skottet, även om det är lite otäckt till höger (väggmonterade målningar kan luta något på toppen). Korrigeringen blir måttlig. Konstnär: Lucien Jonas (1880-1947), La Piscine Museum, Roubaix.
Andningsnivåer varierar i noggrannhet, men du ser snart om din metod fungerar eller inte med rektangulära konstverk. Om det gör det kommer de horisontella och vertikala kanterna att anpassas till 90-gradersvinklarna på ditt foto. Om du inte är krossad ser du den lilla keystoning-effekten.
Spelar det någon roll? Du kan korrigera perspektiv i redigeringsprogram, men bara med en förlust av kant-till-kant-skärpa.
Ju mindre du måste korrigera, desto bättre.
Använd vattenpass tillsammans med alla vinkelräta linjer i konstverket för att uppnå bästa möjliga perspektiv. Tunga korrigeringar för keystening i själva verket har en negativ inverkan på bildkvaliteten, vilket kanske eller inte märks beroende på avsedd användning.
Om allt du gör är att dela ett foto av en målning på Facebook behöver du inte vara noga med att anpassa konstverk och kamera. Att använda tillräckligt med skärpedjup kommer att kompensera för mindre fokuseringsfel och ingen kommer att plocka upp dig på ofullkomliga vertikaler! Å andra sidan, om du säljer konst online vill du göra det bästa du kan med bilderna.
Linsval och skärpedjup
Ett bra val av objektiv för fotografering av konst är en 50 mm eller 100 mm primärlins med anständig nära fokuseringsförmåga. Många använder makrolinser, inte minst för att de skapar mycket liten distorsion på nära håll. En högkvalitativ zoom räcker till ungefär porträttlängd.
Du behöver inte välja en liten bländare när du fotograferar 2D-konst, eftersom du inte behöver mycket skärpedjup. Att stänga linsen ner två eller tre steg till f / 8 ger ofta optimal skärpa, medan mycket mer än det minskar skärpan genom diffraktion.
Fokuseringsnoggrannhet & Live View
Utan tvekan är det mest exakta sättet att fokusera på nästan vad som helst att ställa kameran på ett stativ och använda live-view-läge med manuell fokusering. Det behöver inte sägas att det inte fungerar så bra för rörliga motiv, men det är den perfekta tekniken för konstverk.
Att använda livevisning fungerar bra för 2D-motiv men är inte avgörande om du inte vill ha perfekt skärpa. Du kan fokusera tillräckligt genom en optisk sökare och låta skärpedjupet ta hand om alla mindre fel.
För 3D-motiv som statyer är livevy ovärderlig. Det löser problem som fältkrökning, felaktiga fokusskärmar eller fokuspunkter och feljusterade speglar och sensorer.
Jag är långt ifrån redo att ta en bild här, men jag ställer upp ett antikt vykort i livevisningsläge på stativet. Ett problem med platta konstverk är att hålla dem platta för bilden. Du kan använda bitar av högkvalitativ maskeringstejp och klona ut dem efteråt, men var mycket försiktig så att du inte sliter av pappersytan när du tar bort den.
Tekniska problem gör det ofta svårt att uppnå kritisk skärpa där du behöver det i statyer - vanligtvis ansikte och ögon. Du kanske inte märker detta om du inte zoomar in på dina foton 100%, men det är lätt att fokusera lite, särskilt på stora statyer där du skjuter uppåt.
Du kan inte lita på fokuspunkter eller fokus / tekniker, eftersom de inte alltid fungerar. Live view och manuell fokusering övervinner det.
Undvik reflektioner
När du tar ett foto av 2D-konst bakom glaset är reflektioner en av de största hindren att övervinna.
Ibland är det lättare att gå vidare till ett annat ämne, men det finns sätt att undvika reflektioner i dina konstfoton. Här är några av dem:
- Använd inte direkt blixt på kameran. Det skapar en hemsk hotspot i glaset som det är omöjligt att ta bort efter det.
- Använd riktade ljuskällor från sidan - helst två på lika avstånd (en på vardera sidan av tekniken). Icke-riktat ljus är mjukare men skapar reflektioner från andra föremål i rummet.
- På ett museum kan kläder i svarta kläder hjälpa till att fotografera små konststycken eftersom det syns mindre i reflektioner och absorberar ljus från andra ljuskällor.
- Få vänner eller släktingar i mörka kläder att stå nära konsten och blockera reflektioner.
- Använd en stor svart scrim / skärm och skjut linsen genom den för att fotografera objektet - samma skäl som svarta kläder men effektivare.
- Använd ett polariserande filter för att klippa ut mycket av bländningen (ökar exponeringstiden eller ISO, så det är inte perfekt för handhållna bilder i svaga museer).
- Fotografera i en liten vinkel för att klippa ut reflektioner och justera perspektivet i efterbehandlingen. Att överdriva detta kommer att minska kant-till-kant-skärpan märkbart.
- Undersök teckningarna noggrant för reflektioner som kanske inte är omedelbart uppenbara - de har en vana att vara mer märkbara på en dator.
Fångar konsistens
Om du vill fånga textur i ett konstverk (t.ex. oljemålning) är det sista du vill ha en diffus ljuskälla som en lysrör. Vad du behöver är en riktad ljuskälla från ena sidan.
I oljemålningar innebär avslöjande konsistens vanligtvis att ljus reflekteras i linsen, vilket kan vara distraherande. Det är en fråga om att kontrollera effekten så att spektrala höjdpunkter inte förstör bilden. Ett polariserande filter hjälper så länge det inte gör andra fotograferingsparametrar oanvändbara.
Reflektionerna i detta oljemålade porträtt betonar konsistens men de är distraherande. Liksom alla spektrala höjdpunkter måste konstens reflektioner vara subtila och hållas borta från kontaktpunkterna.
Observera att LED-belysning är riktad av naturen. Du kan improvisera hemma genom att ställa in LED-smalstrålkastare G50 eller liknande. Annars kan du styra diffus konstgjord belysning eller blixtbelysning med modifierare som en snoot.
Få konstnärer lade ner målar tjockare eller vildare än Vincent van Gogh. Du kan se ljus reflekteras i denna detalj från en av hans målningar, men det är subtilt nog för att inte förringa den större bilden. Foto från rawpixel.com / Yale University Art Gallery (Källa)
Kopiestativ, ljusbord och ljusa tält
Om du fotograferar ganska små konstverk kan du vara extremt professionell genom att använda utrustning avsedd för jobbet. Personligen gillar jag att spara pengar genom att använda Heath Robinson-metoder, men inte alla redskap jag ska nämna är dyra. Jag kanske till och med pratar själv om att köpa en del av det …
Kopiera stativ
Kopiestativ inkluderar en bas, två lampor, en kolumn och en arm för att hålla kameran. De är perfekta för att fotografera stora volymer platt konst eftersom de är redo att gå, medan det tar tid att installera ett stativ, kamera och lampor. Kopieringsställ kostar vanligtvis cirka 200 dollar, men du kan hämta dem begagnat för mindre än hälften av det.
Ljusa bord
Ljusa tabeller används ofta för att skapa produktfoton med en klar, jämn vit bakgrund. Du kan lika gärna använda en för små konstverk och ornament. Ett kopieringsställ är en bättre insats om du vill spela in platta konstverk utan bakgrund.
Lätt tält eller kub
Ljusa tält brukar vara femsidiga kuber som hålls samman av tråd- eller plastramar. Sidorna är gjorda av ett genomskinligt material som släpper igenom diffust ljus. Det finns också olika bakgrunder. Vissa tält har en bländare i toppen som låter dig rikta linsen nedåt. Detta är perfekt för att fotografera små, platta konstverk.
Du behöver en jämn exponering för platt konst, så ljus med samma styrka och avstånd på båda sidor om tältet är bra. Med skulptur skapar ojämn belysning modellering och betonar form, så inställningen är annorlunda.
Lätta tält kan enkelt göras hemma genom att konstruera en enkel ram och täcka den med genomskinligt material. Foto: Alison Christine från North Yorkshire, Storbritannien (CC BY 2.0) via Wikimedia Commons
Ljusa tält är ofta billiga att köpa, till skillnad från ljusbord och kopiestativ. De är ofta spinkiga också, men de är värda att prova för några dollar. Ingen tittare kommer någonsin att ifrågasätta tekniken eller hur mycket du spenderade på redskap om bilden fungerar.Varför fotografera konstverk istället för att göra det?
Att fotografera andras konst kan verka meningslöst, men det är en bra övning för att utveckla ditt kreativa öga. Detta är särskilt fallet om du isolerar områden i en målning eller skulptur, vilket tvingar dig att studera konst noggrant. Det finns ofta flera bilder i en bild.
Inom större målningar ser du underbara detaljer. Här distraherar en ung tjej sig med blommor medan hon kanske är uttråkad vid ett bröllopsbord. Konstnär: Albert Fourié (1854-1937), Musée des beaux-arts de Rouen.
Den enda aktiviteten jag starkt skulle rekommendera är att göra raka kopior av verk från levande eller nyligen levande konstnärer (såvida de inte är din klient och de har uppdragit dig att göra det) och försöker tjäna pengar på dem. Då är du på väldigt tunn moralisk och laglig is (du har faktiskt fallit igenom den). Upphovsrättstiden varierar från land till land.
Naturligtvis kan du fotografera din egen konst för att dela online eller sälja på eBay. Det finns inget fotografiskt motiv som är renare än att dela. Lusten att dela är trots allt i hjärtat av de flesta artister, oavsett publikens storlek.
Har du några andra tips för att fotografera konstverk som du vill dela? Vänligen gör det i kommentarerna.