Interaktion är grunden för en stående session på alla sätt. På de mest uppenbara sätten måste du till exempel interagera med klienten för att ställa in sessionen, under sessionen och när bilderna är klara.
Porträtt sessionen är också en interaktion med jaget, både för dig fotografen och för ditt motiv. Du fotografen, som skapar med integritet, måste träffa dig själv inuti för att skapa djärv kreativitet. Ämnet står också inför många osäkerheter som de kan ha mycket lite erfarenhet av i sitt dagliga liv. De är i en sårbar position. Porträtt sessionen medför alla typer av interna interaktioner.
Bilderna själva är en form av interaktion med framtiden. Det sätt på vilket ett porträtt porträtterar någon går långt för att kommunicera vem de är - eller åtminstone vem de vill ses som, vilket är viktigt i sig.
Det är av den anledningen att utveckla vanor för skickliga mänskliga interaktioner är så viktigt. De gör alla mer bekväma, men mer, det betyder att man tar bilder av någon som är bekväm i det ögonblick som bilden togs.
Hur någon svarar på dig är hur de kommer att se ut i sina bilder. Skillnaden kan vara omärklig för en främling eller när man bara ser det med en blick; men ett ansträngt leende eller nervöst ögonbryn kan vara klart som dagen för de människor som bryr sig om dem. Du som fotograf är inte en rörmokare som fortfarande kan fixa rören, även om ditt motiv har dålig tid. Bland de viktigaste verktygen du har är det som framkallar ett ärligt och smickrande svar från ämnet:
Sättet du interagerar med människor är nyckeln till
Alla är en liten unge
Om du som vill skapa en sanning och öppenhet i dina ämnen kan du ta en ledtråd från reglerna för att fotografera små barn; sakta inte ner barnet för ditt skott - du håller jämna steg med barnet!
Ditt mål är att hålla ditt ämne engagerat och ha det bra under sin session, så vad som är sant med att arbeta med barn gäller också för vuxna. Det är viktigt att gå i sin takt. Vuxna blir uttråkade när man rör sig för långsamt och sedan har man bilder på uttråkade vuxna som verkligen försöker att inte se uttråkade. När du rör dig för fort blir vuxna oroliga. De börjar ha problem med att förstå och tolka dina instruktioner. Sedan har du bilder på oroliga vuxna som verkligen försöker att inte se oroliga ut.
Att få en känsla för ditt ämnes naturliga takt handlar om hur du interagerar med dem. Du kan inte bara skälla beställningar på ditt ämne. Du kan inte dra dig tillbaka till en teknisk och kreativ kokong och sticka ut objektivet tillräckligt långt för att ta deras bild. Du måste faktiskt engagera dig personligen. Ge tid mellan arrangemang och platser att chatta. Var öppen med ditt ämne; gör dig sårbar för dem. Kom ihåg att det är den utmanande hållning som en porträttperiod sätter ämnet i: sårbarhet.
Var uppmärksam på de saker som din klient säger och de skämt de gör. Om de säger något som "Jag är ledsen, jag måste vara hemskt att arbeta med" var uppmärksam! De skyller på sig själva, men det beror troligen på att du rör dig för fort och inte kommunicerar. Klienten kommer sannolikt att skylla på sig själva eftersom de har sett alla dina fantastiska bilder och antar att alla dessa människor måste ha kunnat följa med. Ta detta som en personlig kritik för att kommunicera mer öppet och sakta ner.
Lär dig att tala i positiva termer och säga positiva saker
När du är öppen och kommunicerar med ditt ämne, förbli positiv så mycket som möjligt. När du måste vara ärlig om något utmanande eller svårt, gör det i positiva termer. Detta kräver övning, men det är också fördelaktigt för ditt eget välbefinnande.
Jag förespråkar inte lögner eller vrider till och med sanningen. Jag pratar om att hitta ett legitimt perspektiv i vad du än säger, så att någon form av positivitet också syns.
Anta till exempel att du skjuter i en lokal park och att bilden du jobbar på inte fungerar som du vill. När du vet att det skott du ville ha är dött finns det ingen anledning att fortsätta slösa bort tid; du borde bara gå vidare. Om du säger "Uhg, den här platsen fungerar bara inte, låt oss titta någon annanstans", skulle du säga sanningen, men på ett negativt sätt, med fokus på vad som inte fungerar rätt. Det är inte den viktiga delen. Istället, om du säger "Hmm, den här platsen visar sig inte hur jag hoppats, jag tror att det kan finnas något ännu bättre i den riktningen" det låter mer hoppfullt, positivt och uppmuntrande.
Båda dessa uttalanden är i huvudsak desamma. Men i det första läggs tonvikten på ett problem just då och där. I det andra uttalandet erkänns problemet, men tonvikten ligger på något positivt "över i den riktningen".
Att hålla en sådan inställning hjälper ditt ämne att förbli optimistiskt om resultatet, vilket är viktigt. När ditt ämnes optimism minskar måste de arbeta hårdare för att verka bekväma och avslappnade. Så även om du kämpar i början och ditt ämne kan ha objektivt god anledning att bli mer pessimistisk, om du låter det hända kommer du att skada dina chanser att återhämta sig senare.
Fortsätt vara positiv!
Använd humor som en diffusor
Situationen som ditt ämne går in i är sårbar. Det är ditt jobb att granska hur de ser ut för att presentera dem i sitt mest smickrande ljus. De flesta av oss känner sig obekväma att vara under mikroskopet, särskilt när det gäller hur vi ser ut. Människor gillar inte att deras utseende bedöms dåligt och de spenderar mycket tid, energi och pengar för att undvika det. Faktum är att det att anställa dig själv kan vara en del av den önskan.
Så en del av ditt jobb är att sprida den känslan. Du måste hålla ditt motiv bekvämt, vilket vanligtvis innebär att skymma det uppenbara behovet av att granska dem och hur de ser ut. En utmärkt metod för detta, utan att behöva tillgripa att vara bedräglig, är att placera dig själv under deras mikroskop.
Om du gör ett misstag, var öppen om det och skratta åt det. Genom att presentera dina egna tillfälliga brister gör du dig själv sårbar och däremot får dem att känna sig mindre sårbara. Du ljuger inte eller manipulerar dem inte. Du planerar bara spelplanen.
På samma sätt, om ditt ämne har sagt eller gjort något pinsamt, kan du använda humor för att vända förläget på dig själv. Till exempel, om mitt ämne av misstag hamnar i en vattenpöl och verkar generad, kan jag ta tillfället i akt att berätta om den gången jag föll i vattnet under en stående session. Det är humaniserande.
Genom att positivt tillämpa humor på dina egna brister kan du ändra tonen i sessionen från en där ämnet känner att de måste uppträda för dig, till en där de måste interagera med dig.
Tala i termer relativt ditt ämne
I många fall, om inte ditt ämne har utbildats som modell, kommer de att spendera en hel del av sin mentala energi för att försöka tolka vad du säger till dem att göra.
Om du säger "luta huvudet" betyder det mycket mer för ditt ämne än det specifika du vill att de ska göra, så för dem har det nästan ingen mening alls. Istället kan du säga "luta pannan mot tårna" eller "föra ditt vänstra öra närmare din vänstra axel". Detsamma gäller den riktning de står inför och rörelser du behöver för att göra. Om du säger till dem att "gå framåt" kommer de ofta att röra sig i vilken riktning deras fötter vänder mot, eller de kommer att känna sig förvirrade över vad du vill att de ska göra och blanda sig obekvämt. Istället kan du säga "ta ett steg mot mig".
Det här är specifika instruktioner som är relativt ditt ämne snarare än din vision. Att ge ämnesrelaterade instruktioner låter också lite roligt för många i början så det fungerar också som en utmärkt isbrytare.
Om du inte behärskar något annat ämnesrelaterat språk behärskar du ämnets vänster och höger. Istället för att säga "steg till vänster", säg "steg till vänster". Genom att ge dina ämnesvillkor som de inte behöver tolka kan de ägna mer mental energi åt de immateriella delarna av fotograferingen - som att ha det bra eller interagera med dig.
Visa Posing
Detta är en förlängning av att tala på ämnesrelaterat språk, förutom att det tar det ett steg längre. Att ta en stund för att visa hur du vill att din klient ska posera kan ha flera fördelar.
För det första kan demonstrera en pose ofta fungera som en isbrytare, eftersom de rörelser du kommer att be dina ämnen att utföra ibland känns lite dumt, även om de ser bra ut på ett foto! När du visar posen har motivet en chans att se att du känner dig lite dum, eller inte känner dig dum och inte bryr dig.
För det andra, som att tala i termer i förhållande till dem, kan demonstrera en pose hjälpa till att ta bort en stor del av motivets behov av att tolka vad du vill att de ska göra. De kan lättare bara gå efter det och försöka, snarare än att frygta om de "gör det rätt".
När jag visar en pose för ett ämne berättar jag för dem vad jag vill att de ska göra, medan jag gör det.
Så jag kan sätta mig ner på platsen där jag vill att min klient ska vara och säga, "Okej, jag skulle vilja att du skulle sitta precis här". Sedan sätter jag mig ner och säger, "Du kan korsa benen så här, eller något liknande, om det känns mer naturligt för dig" när jag visar ett par olika acceptabla positioner för deras ben. Då kan jag peka på var jag planerar att skjuta från och säga "Jag ska skjuta där borta, så du vill titta i den riktningen".
När klienten sätter sig ner har de en slags mall för vad de ska göra och kan agera mer självsäkert och försöka. Detta har också den extra fördelen att du kan hjälpa ditt ämne att hitta sin väg till en pose som är mer naturlig för dem, snarare än att placera dem i en position som du aldrig skulle se dem använda i verkliga livet.
För mer information om att posera, kolla in den här dPS-e-boken - Porträtt: Striking the Pose
Var en konstant ström av bekräftelse för ditt ämne
Jag säger det igen; kom ihåg vilken sårbar situation ditt motiv befinner sig i när det står framför kameran. Ett av de enklaste sätten att kompensera för den känslan för ditt ämne är att vara en konstant ström av bekräftelse.
- Tack!
- Du gör ett bra jobb
- ja! Det är perfekt, håll fast vid det!
- Du ser bra ut!
Naturligtvis går du en linje här, för vad händer om din klient inte gör ett "bra jobb" och de faktiskt gör ditt jobb mycket mer utmanande. Tja, kom över det. Det är ditt jobb som fotograf att arbeta med vem din kund är; vissa människor går lättare med bilder, andra behöver mer uppmärksamhet, men bilderna kommer att bli dina och så är ansvaret också.
Jag skulle inte rekommendera att ljuga om du kämpar för att få något du gillar när du arbetar med ditt ämne. Men bekräftelse är fortfarande viktigt. Kanske ännu mer. Saken med bekräftelse i detta sammanhang är att det inte nödvändigtvis behöver bekräfta någonting ämnet själva gör. Naturligtvis fungerar det verkligen bäst för att mildra känslorna hos ett ämne som är osäker på sitt utseende eller känner sig dålig på foton. Men att bara bekräfta att skottet går bra och att du är upphetsad räcker ofta för att låta motivet slappna av. Låt dem komma - på allvar, ungefär var 15-20 sekund medan du står bakom kameran.
- Wow, det här skottet kommer ännu bättre ut än jag förväntade mig!
- Jag älskar den här bakgrunden!
- Du och jag är som ett drömlag!
- Texturerna i den här förgrunden är så intressanta och ligger precis intill din klänning!
Att förenkla motivets känsla av sårbarhet genom att göra positiva utrop om skottet är logiskt också logiskt. Genom att hjälpa ämnet att inse att de bara är en del av det du uppmärksammar kommer att lindra trycket och låta dem slappna av.
Skratta inte av något som visas i sökaren
Här är vad jag vill lämna dig med. Jag tror att det här rådet har hjärtat i allt jag har sagt här.
Skratta aldrig åt något som visas på kamerans skärm.
Jag är säker på att du kan förstå varför - naturligtvis ditt ämnes sårbarhet. Hur kan de tolka ditt skratt? Det är möjligt att du har kultiverat en atmosfär av humor. Kanske har du konsekvent gjort dig själv efter många skämt, och ditt ämne kan ha gått med i det roliga och så kanske vid det här laget är det okej att skratta lite, så länge du skrattar tillsammans. Men låt oss vara ärliga, det genomsnittliga motivet är ganska osäkert. De tror nog att du skrattar åt dem och de kommer att klämma upp.
Men allt detta är ganska uppenbart. Människor gillar inte att skratta åt sig. Det är dock inte det som är så viktigt med detta. Det är inte så att du skrattar, det är inte ens varför du skrattar. Det är därför ditt ämne tror att du skrattar. Sanningen är inte viktig, ditt ämne kommer att svara på vad de tycker, oavsett om det är sant eller inte.
Det är inte så att skratt är ett problem. Det är att ämnet tycker att du skrattar åt dem på något sätt. Och det handlar inte bara om att skratta.
Låt oss säga att du har några irriterande problem med din kamera av någon anledning. När du försöker lösa det blir du synligt frustrerad. Ditt motiv vet förmodligen inte hur kameraproblem ser ut och deras känsla av sårbarhet får dem att ta på sig mycket skuld. Det är inte så att du är frustrerad, det är att du är utsatt tror att du är frustrerad på grund av dem.
Ämnen placerar sig i en sårbarhetsposition med fotografer i viss mån få andra yrken har tillgång. Läkare och advokater är ett bra exempel. Läkare behöver tillgång till huden och grejerna under. Patienter måste avslöja sina kroppar för läkare - en känslig känsla. Försvarsadvokater behöver tillgång till minutens och sanningsenliga detaljer i en svarandes liv. Du som fotograf behöver tillgång till deras anda - människor måste vara den de verkligen är med dig.
Du måste vara mycket försiktig så att du inte trampar dina ämnes anda. Du måste göra mental, emotionell och kreativ gymnastik för att undvika att krossa den känsliga strukturen av förtroende och säker respekt. Det gör att deras ande kan avslöjas i ärliga leenden, spruckna skämt och ett temperament av självförtroende som står framför kameran.
Utan motivets anda finns det ingen anledning till fotot.
Har du några andra tips för att arbeta med människor och ta bättre porträtt? Vänligen dela dem och eventuella berättelser du har i kommentarerna nedan.