Ju längre jag har gått på min fotograferingsresa, desto mer har jag lärt mig om vikten av att förstå ljus. Jag tror att ljus är det viktigaste elementet som gör ett fotografi. Inte ett bra ämne. Inte bra komposition. Det är fantastisk belysning som gör ett fotografi fantastiskt.
Så vad är bra ljus? Det finns ingen typ av ljus som gör ett fotografi bra eller dåligt. Hårdhet, ljusstyrka, färg, riktning. Alla dessa saker och mer kommer att diktera hur din bild ser ut, och ännu viktigare, hur den känns.
Ett av sätten jag har lärt mig att se och förstå ljus och hur det påverkar mitt landskapsfotografering är att lära mig om och förstå porträttbelysning. Porträttfotografer vet att hur ljuset faller på den mänskliga formen dramatiskt påverkar fotografiet.
Även om du inte kan kontrollera ljuset i landskapsfotografering kan du lära dig att tillämpa principerna för porträttbelysning hjälpa dig att skapa mycket mer dramatiska landskap som får tittaren att känna något.
Ljus och skugga
På sin mest grundläggande nivå består ett fotografi av ljus och skugga. Vi har en tendens att fokusera mycket på ljus i fotografering, men skuggor är lika viktiga, om inte ännu mer. Skuggor avslöjar form, djup och struktur.
Porträttfotografer förstår ljus och skugga bättre än någon annan. De formar ett porträtt genom att flytta ljuskällan tills ljuset faller på precis rätt sätt så att skuggorna avslöjar motivets konturer. När du fotograferar med naturligt ljus som inte kan kontrolleras, flyttar de motivet istället.
Övergången från ljus till skugga går ofta förlorad i modernt landskapsfotografering. Kamerasensorer med otroligt dynamiskt omfång, tillsammans med populariteten hos HDR-tekniker, har gjort det möjligt för oss att få tillbaka mycket detaljer i skuggan av våra landskap.
Det här är inte en dålig sak i sig, för vanligtvis vill vi ha lite detaljer i skuggorna, men det går ofta för långt. Bara för att vi kan lysa skuggorna betyder inte att vi borde göra det. Att lämna delar av bilden i mörker lägger till stämning och mysterium.
Rembrandt Lighting
Jag lärde mig om Rembrandt-belysning innan jag någonsin hört talas om konstnären den fick sitt namn efter. Rembrandt var en mästare som förstod principerna om ljus och skugga bättre än någon annan. Att studera hans målningar lär dig mycket om hur de kan skapa stämning och drama i en bild.
Rembrandt självporträtt.
Rembrandt-belysning har blivit känt som en klassisk belysning i porträttfotografering. Med mjuk sidobelysning skapar denna teknik ett vackert utseende som du troligen kommer att känna igen.
När ljuskällan kommer från motivets sida, får den ljuset att avslöja och dölja olika element. De delar av motivet som är synliga för ljuskällan kommer att belysas medan delarna som inte är synliga för ljuskällan kommer att vara i skugga.
Förstå porträttbelysning för att få fram struktur och dimension.
Du kan självklart inte styra ljuskällan när du fotograferar landskap, men du kan ändå tillämpa samma principer.
Att tänka på hur ljuset kommer att falla i ditt landskap kan vägleda hur du fotograferar det. Positionen du skjuter från, din komposition och tid på dagen kommer alla att påverka hur belysningen påverkar ditt landskap. Även om du inte kan kontrollera ljuset, förblir det aldrig detsamma, så att vänta på att solens vinkel ska förändras eller på ett gap i molnen kan göra stor skillnad för det sätt som det belyser scenen.
Omvänd teknik foton
En bra övning för att lära sig förstå ljus är att ombilda ett fotografi. När jag lärde mig porträttfotografering studerade jag regelbundet en bild och försökte ta reda på hur den hade tänts. Är det naturligt ljus eller blixt? Hur långt borta från ämnet är det? Hur stor är ljuskällan? Finns det mer än en ljuskälla?
Dessa dagar som landskaps- och resefotograf ställer jag mig fortfarande de frågorna när jag tittar på ett fotografi. Vilken riktning kommer ljuset från? Vilken tid på dagen tog det? Var himlen klar eller grumlig? Lär dig att vana dig att analysera foton som du beundrar genom att ställa dig mer specifika frågor som detta snarare än vilken utrustning eller förinställningar som fotografen använde.
Dodging och Burning
Att forma ljus och skugga slutar inte när du tar bilden. Dodging och bränning är processen för att ljusna och mörkna områden på ett foto i efterproduktion. Det behöver inte vara en komplicerad process. Ofta är allt som är nödvändigt att bränna (mörkare) områden som kan använda mer skugga eller kan vara distraherande.
Ett av de bästa sätten att tänka på att undvika och bränna är att fråga dig själv var du vill att tittaren ska titta. Det kan vara ett specifikt inslag i fotot, eller du vill dra tittarens blick genom bilden. Du kan måla mer ljus och skugga till ett foto för att styra denna process.
Våra ögon dras naturligtvis till ljusare delar av en bild. Porträttfotografer undviker ofta och bränner för att dra tittaren till motivets ögon eller ett annat viktigt inslag i motivet. När du redigerar landskap, försök måla i ljus och skugga för att kontrollera vilka delar av bilden som väcker din uppmärksamhet.
Gå öva
Nästa gång du fotograferar ett landskap, försök ta en ny titt på ljuset. Ställ dig själv några av de frågor jag har nämnt. Leta efter skuggorna. Experimentera med sidobelysning. Vänta tills ljuset ändras. Genom att förstå porträttbelysning blir du bättre utrustad för att tillämpa den på ditt landskapsfotografering.
Du kommer att upptäcka att tänka på landskapet som konturer med djup och form snarare än separata element hjälper dig att skapa mer engagerande landskap med stämning och drama.