Varje gång jag bearbetar en av mina bilder gör jag det på ett helt annat sätt. Det kanske låter konstigt för dig. Jag känner att artiklar om bildbearbetning ofta är full av idéer om formler och viktiga steg. Men för mig går detta helt emot allt jag tror om fotografering.
Om du vill skapa kreativa bilder finns det ingen formel som du kan använda för alla fotografier eller alla genrer. Det finns inga väsentliga steg som du måste följa för varje enskild bild.
Varför finns det ingen magisk formel
Att säga att det finns en formel är som att säga att det finns en för att skapa bra konst, och om vi följde den skulle vi alla vara stora konstnärer. Men det är att titta på det från fel vinkel. Det ber om något utanför dig för att få dig att prestera bra. I själva verket är den enda chansen (bokstavligen den enda) någon av oss att ta fantastiska bilder att låta de mest unika delarna av oss själva flyta ut.
Nu är det inte att säga att jag inte har några bra råd till dig. Jag gör! Det är dock baserat på min filosofi att varje bild är unik. Det här är inte en målarfärgsupplevelse - så bearbetningen måste närma sig på ett nytt, nytt sätt varje gång.
Före bearbetning
Liksom många bilder finns det några olika sätt jag kunde ha gjort på det här. Att bearbeta, som att ta bilder, är en helt subjektiv upplevelse. Det är det roligaste!
Till skillnad från de andra bilderna som jag har presenterat i den här artikeln, som alla togs på samma vackra morgon i Hampstead Heath i London, ville jag inte ha den där dimmiga dimman på bilden i det här fotot. Det fungerade inte för mig med de livliga färgerna på bladen. Så istället förbättrade jag den djupa färgen och gav bladen en stark kontrast till de mörka grenarna.
För mig är detta mer ett naturligt utseende, vad du skulle se när du är ute i skogen. Jag använde HSL-modulen för att mätta färgkanalerna individuellt med lite tydlighet i basmodulen. Det krävde inte riktigt ett stort tryck för att göra en stor förändring.
Efter bearbetning.
”Anledningen till att konst (skriva, engagera och allt detta) är värdefull är just varför jag inte kan berätta hur man gör det. Om det fanns en karta skulle det inte finnas någon konst, för konsten är att navigera utan en karta. ” - Seth Godin
Ta en unik inställning för varje bild
Du skulle inte skjuta alla dina bilder med samma slutartid, eller hur? När du är ute och tar foton, även om du tar bilder i full auto, svarar du på både motivet och ljusförhållandena runt dig. Du justerar och arbetar med det som finns. Det är samma tillvägagångssätt som du måste ta när du bearbetar dina bilder.
Jag tycker om att bearbeta en bild som att skapa en målning. Det är en organisk, subjektiv, ostrukturerad process som får mig att gå fram och tillbaka mellan verktygen, använda lite av detta, lite av det, tills jag kan se något jag vill ha.
Före bearbetning.
Den här bilden har redan alla element för ett bra foto. Det finns atmosfäriskt ljus som du verkligen kan känna, och sammansättningen av det kala vilda trädet på egen hand är stark. Så det jag fokuserade på i bearbetningen var att få fram färgerna och förbättra atmosfären och känslan av kall, dyster och dimmig. Dessutom trodde jag att en blå / orange splitton skulle se cool ut och att fylla på den med lite korn skulle göra det till en känsla av nostalgi … Jag är väldigt nostalgisk om träd (barndoms sak).
Efter bearbetning i Lightroom.
”Du måste glömma alla dina teorier, alla dina idéer innan ämnet. Vilken del av dessa som egentligen är din egen kommer att uttryckas i ditt uttryck för känslor som vaknar i dig av ämnet. ” - Henri Matisse
Hur kan du tillämpa detta på din fotografering?
Mitt tillvägagångssätt kan låta lite hjälpsamt - jag menar om jag inte kan berätta formeln, de fem stegen till framgång, de tre nycklarna alla behöver, hur kan du lära dig? Tja, min inställning kan ta längre tid att lära sig, men du kommer att få mycket starkare bilder. Du skapar bilder som är kraftfulla, effektfulla och unika för dig.
Även om Lightroom handlar om att lära sig ett program rekommenderar jag dig använd det inte med en teknisk inställning. Använd den med en kreativ, konstnärlig inställning. Använd den som med en pensel, en penna eller din kamera. Kom ihåg att vi skapar - inte löser ett algebraproblem här!
Innan | 
Efter |
Det som tilltalade mig här var den lite mystiska känslan. Det fick mig att tro att vägen ledde till en cirkel av älvor. Så mitt Lightroom-arbete reflekterade den visionen, och det här skapade jag (ovan till höger). Jag ville ha ett mycket surrealistiskt utseende. Jag använde split toning i greener och blues, liksom en vinjett, och tog fram de svarta mycket intensivt med hjälp av baspanelen. Vad jag ignorerade var histogrammet, som alla klämdes upp till höger, men det spelar ingen roll.
Jag ville ha ett mycket surrealistiskt utseende. Jag använde split toning i greener och blues, liksom en mörk kantvignett och tog fram svarta mycket intensivt med hjälp av baspanelen. Vad jag ignorerade var histogrammet, som alla klämdes upp till höger, men det spelar ingen roll. Konst är alltid lite kaotiskt, eller hur?
Före och efter steg för steg
Detta är en kreativ, organisk, rolig process. När du har gått igenom alla Lightroom-moduler (om det behövs), var inte rädd för att gå tillbaka och justera och spela.
Så jag vill ta dig igenom stegen för hur jag bearbetade en bild i detalj. Jag hoppas att det gnistor många idéer för hur du kan bearbeta din. Jag ska ta fotot från detta, direkt ur kameran:
Före bilden, rakt ut ur kameran.
Till detta:
Färdig bild bearbetad i Lightroom.
Anslut till bilden
Titta på bilden. Vad får det dig att tänka på, känna eller föreställa dig? Vilka egenskaper kan du känna i bilden som du kan arbeta med och rita ut? Lightroom-självstudierna du tittar på och läser berättar hur du använder skjutreglage etc. men de brukar inte berätta när du ska använda dem. Denna process att veta när man ska använda vissa verktyg handlar om att bli riktigt involverad i din bild och lära sig att använda de inneboende egenskaperna hos fotot för att vägleda dig.
Det här låter uppenbart, men jag tycker att det här är ett viktigt steg som de flesta missar. Vi är ofta så fokuserade på att få det gjort, eller att göra knapparna redo att trycka, att vi lämnar den konstnärliga delen av vårt sinne och hoppar för snabbt in i det tekniska. Så svara på motivet, färgerna och stämningen på fotot. Inga filtförinställningar här, snälla!
Grundläggande panel först
Mitt nästa steg med den här bilden var med panelen Basic. De flesta bilder kommer att börja här eftersom du kanske vill kontrollera tonerna innan du börjar med färgarbetet. Den här bilden var riktigt platt tonalt så jag ville öka kontrasten genom att få ner skuggorna och höja de vita. Du får mycket mer specifik kontroll när du använder skjutreglaget Highlights, Shadows, Whites and Black, då gör du med reglaget Contrast ovanför dem. Så här är inställningarna jag tillämpade:
- Höjdpunkter -94
- Skuggor -50
- Vita +50
- Svarta -31
- Mättnad +50
- Exponering -0,20
- Kontrast +19
Dessa förändringar gav följande resultat:
Nu har jag några bra mörka toner i träden och några ljusa vita på himlen (alla finns i histogrammet). En del mättnad ger mig en bra uppfattning om vilken färg bilden vill ha (vilken riktning den lutar naturligt). I det här fallet är det blått.
Applicera en tonkurva
Därefter bestämde jag mig för att använda Curve-panelen för lite mer tonändring; ta upp skuggorna och få ner höjdpunkterna. Nu är himlen rikare och de mörka områdena ser mindre leriga ut.
Dehaze
Det var en riktigt vacker morgon med dimma och träd, för att inte tala om den fantastiska fågeln (hade tur där!). Som sagt såg jag på den här bilden och kände att jag ville ta fram mycket mer detaljer i vattnet och husen. Dimman var jättebra men jag var ganska säker på att jag kunde få mer detaljer utan att förlora atmosfären. Mitt svar var Dehaze i Effects-modulen.
Dehaze är användbart för bilder som denna, men kan vara riktigt superhårt om du inte är försiktig. Den här bilden verkade ta +44 utan negativa effekter, som färgblockering och skapande av artefakter, så jag lämnade den där (se nedan).
Dehaze brukar röra sig med mättnad, som du kan se här. Men, eh, jag gillade det! Det jag tänkte på var att ta bort en del av dimman på vattnet och husen och det fungerade bra. Det hade också den extra effekten att reflektionen av träden i vattnet sticker ut.
Lokala justeringar
Vid den här tiden börjar jag vanligtvis växla moduler till och från för att se vad som händer. Jag trodde att skuggorna på träden på höger sida kunde använda lite detaljer så jag gjorde en mask med borstverktyget för att lätta dem lite. Detta ljusade också upp himlen bakom träden och fick det att se mindre lerigt ut. Sedan gjorde jag samma sak för reflektionen.
Jag gillade verkligen dimman på vattnet men jag ville att vattnet skulle se skarpt ut. Så jag använde ett graderat filter över det och satte klarhet upp till +74 och exponering på +,60. Jag bytte också färg för att matcha den blå himlen. Nu är det mycket mer åtskillnad mellan vattnet och reflektionen.
Om jag gillar mitt arbete upp till en punkt gör jag en ögonblicksbild så att jag kan fortsätta arbeta med bilden, men gå tillbaka till det steget senare om det behövs. Jag är ganska nöjd med det hittills. Nu är det dags att börja slå på och av moduler igen för att se vad som behöver justeras.
Därefter, se nedan, valde jag att använda HSL-panelen (Hue / Saturation / Luminance) sist bara för att öka specifika färger, i det här fallet blues. (Inte säker på varför nu när jag tittar på det … skulle förmodligen göra det igen utan den blå boost).
Jag försökte tända tonerna i träden, som ser gula ut men LR hade det inte och sa att det faktiskt var blått. Förståeligt, eftersom det finns en sådan blå gjutning över allt. Det enda gula som kunde riktas mot var det sista trädet längst till höger. Jag slutar med detta:
Slutsats
Nu - på sista anteckningen, kommer Lightroom aldrig att förstöra din bild eller göra permanenta förändringar. Därför har du oändliga möjligheter att spela och lära dig vad som är möjligt med denna fantastiska värld av bearbetning. Bearbetning är den andra halvan av fotografering, att ta bilden är bara den första halvan. Nu uppmuntrar jag dig att:
”Gå och gör intressanta misstag, gör fantastiska misstag, gör härliga och fantastiska misstag. Bryt regler. Lämna världen mer intressant för att du är här. Göra. Bra. Konst." - Neil Gaiman
Jag skulle gärna vilja veta vad du tycker. Kanske skulle du ha bearbetat den här bilden helt annorlunda? Kanske gillar du vad jag gjorde, och kanske inte? Låt mig veta, jag skulle gärna höra dina tankar.