Under de senaste åren har jag lärt mig mycket om att göra porträtt, särskilt av unga barn. Jag tror att det beror på att jag får så mycket njutning av de här typerna av skott att jag slutar göra dem mer, men vid något tillfälle verkar det knappast rättvist eftersom jag undrar om jag har roligare än de barn vars bilder jag tar.
Medan varje session är unik har jag utvecklat min egen stil (som på många sätt alltid kommer att vara ett pågående arbete när jag fortsätter att lära mig nya saker) när det gäller både fotograferings- och redigeringsprocessen, och jag trodde att hjälp de som är nya med denna typ av fotosession att se några exempel tillsammans med en förklaring till de kreativa val jag gjorde under vägen. Jag gör alla mina redigeringar i Lightroom, och medan jag ibland behöver göra några mer ingående justeringar i Photoshop behöver 98% av alla bilder jag ger till kunder inte mer än vad Lightroom kan göra. Om du inte har den här programvaran rekommenderar jag den!
Få det först i kameran
Innan jag kommer till redigeringsdelen av denna bit måste jag klargöra en sak: ingen redigering kan kompensera för initiala misstag på plats, varför det är så viktigt att få den ursprungliga bilden så bra som möjligt direkt från början. Detta handlar om saker som att välja en bra plats att ta bilder, hitta rätt tid på dagen och kommunicera med dina ämnen (och deras föräldrar, om du arbetar med barn). Tillsammans med det är dina egna kreativa val som bländare och brännvidd, bildens sammansättning, vinkeln från vilken du väljer att fotografera, den ljusmanipulation du använder och en mängd andra element som har en enorm inverkan på slutresultatet av en viss fotosession.
Självklart, om du arbetar i en studio har du mycket större kontroll över några av dessa föremål, men i slutet av dagen kommer ett dåligt taget första foto att förbli exakt det, oavsett hur mycket du försöker redigera det i Lightroom eller Photoshop . Jag säger allt detta för att se till att du förstår att redigeringsverktyg inte är ett magiskt botemedel för att alla dina bilder ska lysa. Och det bästa sättet att se till att dina foton är så bra som de kan vara från början är att inte fokusera på redigeringen utan på grunderna som exponering, belysning, inramning och komposition. Det hjälper också att fotografera i RAW, inte JPEG.webp, för att maximera mängden data du kan arbeta med på varje enskilt fotografi.
Grundläggande porträttbehandling i Lightroom
Jag tog den här bilden med min Nikon D7100 på 50 mm, f / 1,8, ISO 200. Eftersom solen gick ned och jag inte arbetade med ljuskällor utanför kameran var mina belysningsalternativ lite begränsade. Jag fick hans far stå bakom mig med min Neewer 43-tums reflektor för att fånga lite mer av det tillgängliga ljuset. (Om du inte har någon av dessa rekommenderar jag att du köper en. De är ganska billiga och ett fantastiskt tillskott till alla kamerainställningar.)
Det ursprungliga fotot var lite underexponerat, vilket också visas i histogrammet.
Jag valde också att rama in barnet med den gröna busken i bakgrunden, och av de halvdussin bilder jag fick av just den här posen gillade jag den här där han inte riktigt tittade på kameran. Ofta när jag arbetar med barn har jag funnit att de bästa bilderna är lite mer uppriktiga i motsats till poserade, men igen, detta är ett kreativt val du måste göra själv. Slutligen såg jag till att skjuta detta i RAW för att dra nytta av så mycket data som möjligt för att korrigera några saker på min dator. Med en gång märkte du förmodligen att bilden är lite för mörk, vilket var det första jag fixade i Lightroom.
En snabb titt på histogrammet visade mig att totalt sett fick jag saker ganska bra i kameran, men för att få det att se lite bättre ut ökade jag exponeringen med 1,2 stopp, och beskärde det lite för att fokusera tittarens uppmärksamhet på pojkens ansikte utan den störande röda byggnaden i bakgrunden.
Första redigeringen: Beskär och ökade exponeringen med 1,2 stopp.
Hittills så bra, men det finns fortfarande mycket arbete som måste göras. Medan den övergripande ljusstyrkan var bättre var färgläggningen fortfarande lite avstängd. De ursprungliga vitbalansinställningarna som bestämdes av min kamera var 4900K och -9 ton, men jag ville ha något lite varmare så jag ökade temperaturen till 5700K och ändrade nyansen till -7.
Andra ändringar: justera vitbalansen och nyansen.
Jag gillade det här mycket bättre, men det fanns fortfarande några saker som behövde åtgärdas. Nu när det totala fotot exponerades ordentligt fanns det några delar som var lite för ljusa som hanterades genom att sänka höjdreglaget med -19. Efter det ökade jag mättnaden till +6 och lade till +4-kontrast också.
Tredje redigeringen: lägre höjdpunkter, öka mättnad och kontrast.
Jag var mycket nöjdare med detta, men det är viktigt att komma ihåg att alla förändringar du gör i ett foto i efterproduktionen baseras på dina egna kreativa idéer och det finns inget rätt eller fel sätt att göra saker. Vissa människor gillar bilder som är desaturerade, andra föredrar selektiv färgning (dvs. en del är färgad eller övermättad medan resten av bilden är mer svartvitt), andra använder beskärning för att uppnå olika effekter. Himlen är verkligen gränsen. En sak som jag gillar att göra då och då är att lägga till en subtil vinjetteffekt (med Post Crop Vignette vid -26, Highlight Priority), vilket jag gjorde här för att resultera i den slutliga bilden jag gav till klienten.
Slutredigeringar: lägg till lite kantvignett, andra mindre färgjusteringar.
Du kanske tittar på det här och tycker att färgningen är lite avstängd, eller att vignetten ska vara starkare, eller att hela inramningen ska vara annorlunda, men den vackra delen av fotografering är att vi alla har våra egna åsikter om hur man gör saker. Jag var glad och mina kunder också, vilket är allt som betyder något för mig.
På det här fotot använde jag borstverktyget för att selektivt avmätta den orange remsan på pojkens skjorta och Radialfiltret för att lägga till en mer exakt vinjett.
Jag tycker dock att det är viktigt att upprätthålla en känsla av verklighet i foton och inte låta redigeringen gå ur hand. Det är lätt att känna sig som en allsmäktig genie när du börjar leka med verktygen i Lightroom, Photoshop eller annat redigeringsprogram, men min tumregel när du redigerar är att försöka få den slutliga bilden att representera vad jag såg, när jag tog ursprungligen fotot. I bilden ovan, till exempel, var den orange remsan på pojkens skjorta lite distraherande, så jag kunde selektivt desaturera den ganska lite med Lightrooms justeringsborstverktyg. Detta, tillsammans med andra ändringar som liknar de som beskrivs ovan, resulterade i ett foto som min klient var ganska nöjd med.
Min poäng är att det är fantastiskt att ha dessa redigeringsverktyg tillgängliga, men om jag börjar luta mig för hårt på mättnaden, stöta upp klarheten till absurda nivåer eller göra dussintals små ändringar med borstverktyget, brukar jag sluta med foton som har lite likhet med originalet och kommer som känslolös och tom.
Hur är det med dig? Vilken stil har du utvecklat genom åren, och vilken metod använder du när du sätter dig ner för att redigera? Lägg upp dina tankar i kommentarfältet nedan.