Fotografera en stilleben-serie för utställning eller en portfölj

Om du någonsin har provat att fotografera stilleben, vet du att det är relativt enkelt att göra en enda bra bild, men det är mycket svårare att ta en stilleben-serie! Att försöka skapa en uppsättning bilder som känns som att de hör ihop kan vara mycket utmanande av många skäl.

Om du fotograferar för att skapa en portfölj, eller kanske till och med för en utställning, vill du skapa bilder som känns som att de hör hemma. På det sättet kommer arbetets kropp att se mer tankeväckande ut och dess budskap blir starkare.

Men oavsett hur hårt du försöker få bilder att se ut som om de är en serie, verkar det ofta finnas något som inte ser riktigt ut. Så hur kan du övervinna dessa utmaningar och skjuta en stilleben-serie som känns som att bilderna är sammanhängande?

Vad är koherens?

När det gäller dessa bilder finns det ett antal sätt att en stilleben-serie kan se ut som om de hör ihop. Men det börjar verkligen i början.

Det mest användbara du kan göra är att ha en serie i åtanke när du tar din första bild. Att välja ett tema som kommer att väva igenom dina bilder och knyta dem ihop är förmodligen det enklaste sättet att få en sammanhängande känsla i din serie av bilder.

Om du tar bilder runt ett tema bör temat automatiskt få dem att känna att de alla är en del av samma projekt. Det kanske enklaste sättet att närma sig stilleben tematiskt är att försöka berätta en historia genom bilderna. När du försöker inkludera berättande i en stilleben-serie, bör det hjälpa bilderna att känna att de hör hemma.

Men ibland handlar det inte bara om temat och berättandet; ibland vill du ta bilder tillsammans visuellt. Så här är några förslag på hur man kan göra just det.

Använd samma synvinkel

När du planerar din stilleben-serie, bör du experimentera med några olika synpunkter. Men överväg att hålla dig till en genom hela serien. Att byta synpunkter mellan bilder kan få bilderna att känna att de inte är en del av en sammanhängande uppsättning.

Överväg att använda ett stativ för att hålla allt detsamma. Det kommer att göra det lättare att hålla din inramning konsekvent för varje skott, såväl som att hålla avståndet detsamma från kameran till objektet. Och glöm inte att tänka på din komposition när du placerar objekt i din ram.

Naturligtvis är det möjligt att ändra synvinkel och ändå se till att bilderna ser ut som om de ingår i samma stilleben, som bilden ovan visar. Du måste bara se till att du håller några av de andra variablerna om ditt tag samma. Se till att ditt tema eller din berättelse är starkare än du annars hade behövt för att göra det.

Använd samma brännvidd

Att hålla avståndet mellan kameran och objektet lika, och även objektivets brännvidd, kan vara ett riktigt bra trick för att dina bilder ska se ut som en del av en serie. När vi använder olika brännvidd eller varierar avståndet från objektet till linsen kan det orsaka förvrängning. Förvrängning får vår hjärna att inse att något egentligen inte är helt rätt.

Medan de är på ytan ser bilderna till vänster och höger lik ut, du kan se närmare granskning att det finns distorsion. I den högra bilden ovan, som jag sköt med en bredare brännvidd, kan du se mer av toppen av äpplet, mindre av botten. Och äpplet verkar svälla ut mot kameran.

Naturligtvis finns det egentligen ingen "korrekt" brännvidd att använda när det gäller att ta stillbilder. Du kanske vill ha den snedvridning som en vidvinkellins ger bilden. På ett sätt skapar vidvinkeln ett konstigt utseende som nästan skulle kunna hyra konstnären Paul Cézanne som målade både sidan och toppen av föremål i sitt stilleben - en ”omöjlig” syn.

Och å andra sidan ger en 50 mm ekvivalent brännvidd en mycket mer "naturlig" syn eftersom det är närmare hur det mänskliga ögat ser på objekt.

Det viktiga om du väljer att variera brännvidden eller avståndet från kameran till objektet är att hålla tillräckligt många andra variabler desamma. På det sättet ser dina bilder fortfarande ut som om de ingår i samma serie.

Efterbehandla bilder på liknande sätt

Om jag skulle spela in en stilleben-serie på film skulle jag definitivt se till att jag tog samma filmtyp för alla mina bilder. På så sätt skulle de alla vara lika i färg, ton och känsla.

Digital är inte annorlunda. Efterbehandling av bilder så att de ser så lika ut som möjligt i stil och känsla kan göra stor skillnad när det gäller att känna att de är en del av en serie.

Det här är en bra tid att tänka på att introducera något unikt för din efterbehandling istället för att bara gå för ett helt naturligt utseende. Det kan vara en lätt split-toning i Lightroom med färger i skuggorna, eller ett särskilt svartvitt recept.

Nyckeln är att skapa ett distinkt utseende och sedan tillämpa det på alla bilder, genom att tillämpa mindre justeringar på var och en för att få dem att se sammanhängande ut. Då kommer dina bilder, även om de är av helt olika motiv, att dras samman med ett gemensamt utseende.

Att hålla din studioinstallation och belysning densamma kan verkligen hjälpa dig när det gäller efterbehandling för att få dina bilder att se lika ut. Att starta från samma "canvas" betyder att du inte behöver vara en total efterbehandlingsguide. Istället kommer små justeringar att ge ett riktigt slag när det gäller koherens.

Fortsätt experimentera

När du planerar din serie, se till att du fortsätter att experimentera. Försök med alla typer av olika tekniska metoder till att börja med och begränsa det till de som passar temat (och din stil) bäst. Och sedan, när du har dina bilder, kan du experimentera med efterbehandlingen innan du sparar receptet som en förinställning så att du kan använda den för att hjälpa dig att skapa ett sammanhängande utseende bland alla dina bilder.

Glöm inte att du också kan använda dessa idéer på andra typer av fotografering.

Till exempel när du skapar en serie porträtt kanske du vill tänka på att använda en enda brännvidd, bländare och ett recept efter bearbetning. Det hjälper alla dina bilder att känna sig lika. Dessa idéer om inspelning av stilleben kan tillämpas på mer än bara livlösa föremål!