Att redigera fotografier i sig är en konst. Det är det som har gjort så många fantastiska fotografer legendariska. Möjligheten att ta gränserna för en tvådimensionell representation av en tredimensionell värld, exakta den på en typ av film eller digital sensor, då, och först då, att skapa bilden efter eget tycke.
Det är faktiskt en konst som väcker frågan - var dras gränsen för för mycket redigering?
Liksom konst och hur man definierar det är det svaret inte enkelt. Vi har var och en vår tolkning, men låt oss ta en titt på några parametrar. Det finns tre frågor du kanske vill ställa dig själv nästa gång du dyker in för att redigera dina bilder.
Vad är min avsikt?
Under filmens dagar var du tvungen att ha avsikt. Även om din avsikt var att "röra sig och lära sig några saker" insåg du att det var en direkt kostnad för det lärandet. Den kostnaden var film, papper, kemiska lösningar och tid - dessutom pengar.
Nu är det så enkelt att experimentera att alla barn med en iPhone kan göra det. Jag tycker att det är bra. Att experimentera är en viktig del av det konstnärliga uttrycket och gäller särskilt fotoredigering.
Att ha avsikt är viktigt när man kombinerar med att experimentera om man hoppas kunna lära, växa och utvecklas.
Intent låter dig veta när ditt experiment går för långt och dina ändringar är för mycket. Avsikten är en underbar guide, med gott om latitud om du ger det.
Mitt förslag här är att ha avsikt med ditt redigeringsexperiment. Vet vad du hoppas få av att experimentera och ha en allmän riktning.
Har jag hållit mig trogen mot min vision?
Vision är dit din avsikt tar dig. Att ha konstnärlig vision hjälper till att placera gränser för ditt arbete som ofta behövs, för att inte allt blir kaos.
Kanske är en porträttfotografs vision att skildra varje motiv på ett dämpat sätt med mjuk belysning och hårda detaljer. De vill visa den sidan av varje ämne, och det leder till deras avsikt, om och om igen. Det är repeterbart.
Det här är en redigering som författaren nu erkänner var för mycket redigering, även om det var kul då.
Alternativt kanske du är en landskapsfotograf som ser att ditt arbete är en sanningsfull skildring av vad du upplevde, inte någon fantasifull ”perfekt värld.” Du anstränger dig för att återskapa scenen när du är tillbaka på din dator och använder verktyg för din slutvision.
Utan att ha en vision om vad du vill producera är det lätt att bli svängd av sirensången med riktigt coola redigeringsverktyg som drar dig mot klipporna av redigeringsruinen.
Är detta hållbart?
Jag menar inte att all konst, alla former av redigering du väljer måste vara evigt. Vi går alla igenom faser. Detta slog mig djupast på en resa till Barcelona nyligen och en recension av Goyas arbete genom de årtionden han målade.
För det första fanns det Goyas tidiga karriärfaser där han krävde reproduktion i fransk och italiensk stil. Dessa var de viktigaste. Vackra porträtt!
Senare hade han en mer förenklad stil. Fylld med enkla färger och en lösare tolkning av världen runt honom med alla dess spelare.
I ett av de sista rummen var utställningar av Goyas "Black period." Kol och mörka toner och hemska svåra scener. Ingenting som det som han hade producerat tidigare.
De flesta av oss går igenom perioder. Det diskvalificerar inte omedelbart någon av dem som konst (i redigeringssätt), men det ger oss en bra spegel.
Vi är vår egen hårdaste kritiker, och vi ensamma kan se tillbaka på jobbet som vi gjorde för en, fem eller tjugo år sedan och ansåg det som konst eller inte. Om vi ser en stil, en tråd som går igenom alla våra verk, är det lätt att säga att vi har skapat konst. Men om vi upptäcker nyttan av tid och avstånd, att något vi trodde var biens knän nu, för våra mer erfarna ögon, skräp, kan vi kasta det åt sidan.
HDR-mani som ett exempel
För några år sedan, när digital fotografering höll på med massorna, kom HDR-mani. Det var en tid när någon kunde använda en viss teknik för att uppnå så kallade HDR-bilder (High Dynamic Range).
För vissa var det en rolig avvikelse från deras normala rutin. Andra såg det som en chans att visa allt i en scen; kanske inte samma sak som deras ögon såg, men bättre än alternativet.
Några av oss fick magen vända varje gång vi såg en av dessa bilder.
Det var nytt och det var nytt. Dessutom passade det inte in i många fotografer. Idag är det svårt att hitta några exempel på de tidiga försök som fortfarande reproduceras. Det var inte hållbart.
Även om det var kul ett tag. Särskilt för dem som gillade avgången från verkligheten.
Jag skulle påstå att det handlade om för mycket redigering och att det mötte sitt troliga bortfall på grund av det.
Slutsats
När jag bestämmer vad som dikterar för mycket redigering är subjektivt för tittaren och deras upplevelse, hoppas jag att de frågor jag ställde ovan hjälper dig att vägleda dig i framtiden.
Jag är inte här för att bedöma ditt arbete eller för att säga att du kan ha fel. Den rösten och vad din konst betyder för dig måste komma inifrån dig.
Utveckla din vision. Håll dig trogen mot det. Fokusera din avsikt mot det. Då behöver du knappast oroa dig om du har gått för långt i ditt redigeringsarbete.