Tidigare på året när jag surfar genom en lista med fotografer på Google Plus kom jag över ett fotografi som fångade min uppmärksamhet. En ung flicka med rosiga kinder, stora vida ögon och ett seriöst ansiktsuttryck stod mot en grön tapetserad vägg klädd i en ljusröd jacka medan hon höll en skål med körsbär.
Bilden var slående på många nivåer - motivet, färgen, posen, stilen på bilden och vad den framkallade på en emotionell nivå fick mig att se två gånger.
Fotografen var Bill Gekas och en snabb titt genom resten av hans arbete avslöjade några vackra bilder med en distinkt stil och uppmärksamhet på detaljer.
Idag är jag glad att presentera en intervju med Bill Gekas samt några av hans vackra bilder. Bill bor i Melbourne Australien. Kolla in mer av hans arbete på hans webbplats och blogg. Anslut till honom på Twitter och Google+.
Bill - kan du berätta lite om din övergång från film till digital fotografering? När och varför gjorde du omkopplaren?
Min övergång från film till digital hände 2005. Fram till dess sköt jag främst både positiva och negativa 35 mm-färger och gjorde min egen utvecklings- och mörkrumsutskrift från 35 mm negativ svartvitt film. Så bra som vad traditionella processer kan ha varit då övergången till digital inspelning och efterbehandling precis öppnade en helt ny värld som verkligen förenklar processen i hög grad.
Vilken inverkan hade den här omkopplaren på ditt arbete?
Detta hade den mest positiva inverkan på mitt arbete där jag upptäckte att jag äntligen kunde skapa bilderna i mitt sinne utan att spendera tid och pengar med traditionella processer! Digital fångst förenklar arbetsflödet till den punkt där verktygen och arbetsflödet nu var en transparent del av den kreativa processen och inte kom i vägen, det kändes riktigt befriande i den meningen och det var mycket välkommet!
Har porträtt alltid varit ett viktigt fokus för din fotografering? Om inte - varför är det något du verkar fokusera på så mycket idag?
Porträtt blev min huvudgenre ungefär samma tid 2005. Fram till dess sköt jag verkligen lite av allt men efter att ha upptäckt några fantastiska porträttverk av de stora förfotograferna insåg jag att motiven i dessa välkända fotografier var kompletta främlingar hade anslutit sig till mig, porträtten var kusliga, nästan surrealistiska och det var då jag visste att det skulle bli porträtt, porträtt med en fin estetik och en kreativ känsla där jag kunde smälta samman historiska referenser vare sig det var ljus, rekvisita eller atmosfär med en modernare samtida uttryck från ämnet.
Ditt senaste verk har en mycket distinkt stil. Jag tvekar att märka att en annan fotografer fungerar men hur beskriver du det?
Denna stil definieras vanligtvis som konstporträtt och du kommer att tycka att den saknar de mer uppriktiga, vanliga, vanliga leende uttrycken av motiv av modern porträtt som är i modet just nu av många porträttstudior. Detta är en mer känslomässig och kreativ porträttstil som en viss typ av publik tycker är tilltalande.
Kan du prata lite med oss om vad som har dragit dig till denna typ av fotografi?
Den känslomässiga, atmosfäriska, nästan surrealistiska karaktären av den! Det är den typ av uttryck som ditt motiv ger dig och förblir hos dig långt efter att du har sett bilden. Jag tror att porträtt kan nå en nivå där vi inte längre ser bilden utan faktiskt känner den, och detta beror i huvudsak på styrkan i sambandet mellan motiv och fotograf / betraktare.
Ditt arbete tycks vara ganska noggrant planerat. Hur mycket arbete går med att förbereda din fotografering? Varifrån kommer idéerna och vilka steg går du igenom för att förverkliga idén?
Med denna typ av inställningsfotografering tar jag vanligtvis fotot innan jag utför bilden! Vad detta betyder är att fotot redan har tagits i mina ögon vanligtvis dagar innan och då handlar det bara om pre-prep-arbete. Denna metod gör det möjligt för mig att få alla aspekter av fotograferingen och efterbearbetningen utarbetade till en punkt där forsknings- och förberedelsetiden kan vara 90% av tiden som går in i den och resten 10% av den faktiska tiden är i själva fotograferingen .
Nyckeln till en sådan inspelning är att planera allt innan motivet kommer in på scenen, belysning, rekvisita, komposition etc. Från tanke till färdigt efterbehandlat skott redo för visning kan ett typiskt skott i genomsnitt vara totalt 8 timmar.
Många av idéerna kommer från min uppskattning av de gamla mästarnas verk. Caravaggio, Vermeer, Rembrandt, Raphael, Velazquez etc. Men jag tycker också att jag får mycket inspiration från att titta på utländska filmer där filmscener spelar en framträdande roll. Att smälta samman dessa världar hjälper till att skapa ett stämningsfullt porträtt.
Naturligtvis väcker alla filmer av Jean-Pierre Jeunet också inspiration att skapa, och jag håller alltid en anteckningsbok med grova skisser och idéer av mig.
Vilken kamera och belysningsutrustning använder du för en typisk fotografering?
För närvarande fotograferar jag med en Pentax K5 dslr-kamera och ett sortiment av Pentax prime-objektiv och en 16-45 / 4-zoom. Ingen särskild anledning för att använda detta märke än att ha några gamla linser från det förflutna som jag fortfarande kan använda på deras senaste dslr-kroppar.
Min kameraväska är faktiskt ganska blygsam jämfört med min belysningspåse. Belysningen är nyckeln till många av mina verk och jag äger många speedlights, en einstein studio-strobe, ljusmodifierare, reflektorer, RF-utlösare etc. Det mesta av mitt inomhusstudioarbete tänds vanligtvis med en 28 ″ softbox som en nyckellampa, ibland en andra blixtsnabba med en gallerfält som pekar mot bakgrunden för att tända den och en vit reflektor på motsatt sida av motivet för att fylla några skuggområden.
I en utomhusfotografering använder jag vanligtvis bara ett ljus som modifierats av en cirkulär modifierare som är en medelstor oktabox eller skjuter genom paraply. Jag försöker komma undan med det med hjälp av speedlights på grund av deras mångsidighet och kommer bara att använda Einstein-stroben bara om jag behöver övermäla middagssolen.
Kan du dela med oss av en bild som du tagit nyligen och prata igenom idén och hur du sköt den?
Röd halsduk (ovan) - Detta foto togs nyligen i en utomhusmiljö inte så långt ifrån där jag bor. Egentligen är det en liten gruscykelbana som går bredvid en bäck. Idén från det här skottet kom från en liknande scen som jag såg inte länge tidigare i en film, det var naturligtvis annorlunda men när jag var sent på hösten på vintern här på södra halvklotet ville jag skildra säsongen och detta skulle uppnås med bakgrunden och urvalet av kostym.
Den grå jackan och baskern fick kontakt med ett element i scenen som grusvägen, det varmfärgade bladverket skulle skildra säsongen och det viktigaste elementet i scenen är den röda halsduken som drar våra ögon till den intressanta plats som är ämnet. Ibland är det viktigt att använda starka färger för att rita och förankra våra ögon till det viktigaste intresset, förbehållet är naturligtvis att det fungerar i scenen och kompletterar de andra tonerna utan att se ut på plats.
Tekniskt sett är detta ett enkelt skott på f4.0, 1/60-talet mitt på eftermiddagen i full skugga. Brännvidden var 28 mm aps-c vilket är ungefär 42 mm på en fullbildssensor. Ljuset var bara en enda blixtsnabb med 1/4 effekt avfyrad genom en vit skjuta genom paraplykamera till höger.
Kolla in mer av Bills arbete på hans webbplats och blogg. Anslut till honom på Twitter och Google+.